Mis on Jaapani teater? Jaapani teatri tüübid. Teater nr. Kyogen teater. kabuki teater

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-17 05:33

Jaapan on salapärane ja omanäoline riik, mille olemust ja traditsioone on eurooplasel väga raske mõista. See on suuresti tingitud asjaolust, et kuni 17. sajandi keskpaigani oli riik maailmale suletud. Ja nüüd, et tunda Jaapani vaimu, teada saada selle olemust, peate pöörduma kunsti poole. See väljendab rahva kultuuri ja maailmavaadet nagu ei kusagil mujal. Üks iidsemaid ja peaaegu muutumatuid kunstivorme, mis meieni on jõudnud, on Jaapani teater.

Jaapani teatri ajalugu

Jaapani teatri juured ulatuvad kaugesse minevikku. Umbes poolteist tuhat aastat tagasi tungisid tantsud ja muusika Jaapanisse Hiinast, Koreast ja Indiast ning budism tuli mandrilt – seda hetke peetakse teatrikunsti sünni alguseks. Sellest ajast peale on teater eksisteerinud traditsioonide järjepidevuse ja hoidmise najal. Teadlased viitavad sellele, et Jaapani teater sisaldab isegi osi iidsest draamast. See võiksedendada riigi sidet Väike-Aasia hellenistlike riikide, aga ka India ja Hiinaga.

Iga teatrižanr, mis on pärit sajandite sügavusest, on säilitanud oma algsed seadused ja individuaalsuse. Seega lavastatakse kauge mineviku dramaturgide näidendeid tänapäeval samade põhimõtete järgi, mis sajandeid tagasi. Au selle eest kuulub näitlejatele endile, kes säilitavad ja annavad edasi iidseid traditsioone oma õpilastele (tavaliselt oma lastele), moodustades näitlejadünastiaid.

Teatri sünd

Teatri sündi Jaapanis seostatakse Gigaku pantomiimi, mis tähendab “näitlemiskunsti”, ja Bugaku tantsu – “tantsukunsti” ilmumisega 7. sajandil. Neid žanre tabas teistsugune saatus. Gigaku hõivas teatrilava kuni 10. sajandini, kuid ei talunud konkurentsi keerulisemate pantomiimižanritega ja sunniti ta se alt välja. Aga Bugakut tehakse täna. Algul sulandusid need etendused templipidudeks ja õuetseremooniateks, seejärel hakati neid eraldi esitama ning pärast võimu taastamist õitses see Jaapani teatrižanr ja saavutas veelgi suurema populaarsuse.

Traditsiooniliselt eristatakse järgmisi Jaapani teatri tüüpe: no või nogaku, mis on mõeldud aristokraatiale; kabuki, tavainimeste teater ja bunraku, nukuetendus.

Traditsiooniline Jaapani teater tänapäeval

Uusajal jõudis Euroopa kunst Jaapanisse ja järelikult ka moodne teater. Ilmuma hakkasid lääne stiilis massietendused, ooper ja ballett. Kuid traditsiooniline Jaapani teater suutis oma kohta kaitsta ja populaarsust mitte kaotada. Ei ole seda väärtarvan, et ta on ajatu haruldus. Näitlejad ja pe altvaatajad on elavad inimesed. Järk-järgult muutuvad nende huvid, maitsed, arusaamad. Paratamatult moodsate suundade tungimine sajandeid väljakujunenud ja arenevasse teatrivormi. Nii vähenes etenduse aeg, tegevustempo ise kiirenes, sest tänapäeval ei jää vaatajal nii palju aega mõtisklemiseks kui näiteks keskajal. Elu dikteerib oma seadused ja teater kohaneb nendega järk-järgult.

Aristokraatia teater, kuid

Teater sündis, kuid XIV sajandil ja saavutas suure populaarsuse aristokraatia ja samuraide seas. See oli algselt mõeldud ainult Jaapani kõrgklassi jaoks.

Paljude sajandite jooksul arenenud teatrist on saanud rahvuslik traditsioon, mis sisaldab sügavat filosoofilist ja vaimset tähendust. Selle maastik on lihtne, põhirõhk on maskidel, mille tähendust rõhutab kimono. Kimonod ja maskid antakse igas koolis edasi põlvest põlve.

Näidend näeb välja selline. Shite (peategelane) flöötide, trummide ja koori saatel jutustab lugusid rahulikust elust ja lahingutest, võitudest ja kaotustest, mõrvaridest ja munkadest, kelle kangelasteks saavad vaimud ja surelikud, deemonid ja jumalad. Jutustamine on kindlasti läbi viidud arhailises keeles. Aga - Jaapani traditsioonilise teatri kõige salapärasem žanr. Seda seletatakse mitte ainult maskide endi, vaid ka kõigi etenduse detailide sügava filosoofilise tähtsusega, millel on salajane tähendus, mis on kättesaadav ainult kogenud vaatajale.

Teaterliketendus kestab kolm ja pool kuni viis tundi ning sisaldab mitmeid palasid, mis vahelduvad tantsude ja miniatuuridega tavainimeste elust.

Maskid, aga

Aga – Jaapani maskiteater. Maskid ei ole seotud ühegi konkreetse rolliga, need edastavad emotsioone. Koos näitlejate sümboolse tegevuse ja muusikaga loovad maskid Tokugawa teatri ainulaadse atmosfääri. Kuigi esmapilgul on raske uskuda, et maskid ei aita tegelikult emotsioone edasi anda. Kurbus- ja rõõmutunnet, viha ja alandlikkust tekitavad valgusmäng, näitleja pea kõige väiksemad kalded, kõnekoori kompositsioonid ja muusikaline saate.

Huvitav on see, et erinevates koolides kasutatakse samadel esinemistel erinevaid kimonosid ja maske. On maske, mida kasutatakse mõne rolli jaoks. Tänapäeval on umbes kakssada maski, mis on säilinud tänapäevani ja on valmistatud Jaapani küpressist.

Esinemised aga

Teater on realismile võõras ja on üles ehitatud pigem publiku kujutlusvõimele. Laval, mõnikord ilma maastikuta, teevad näitlejad minimaalselt toiminguid. Tegelane astub vaid paar sammu, kuid tema kõnedest, žestidest ja koorisaatest selgub, et ta on kaugele jõudnud. Kaks kangelast, kes seisavad kõrvuti, ei pruugi teineteist märgata enne, kui nad on näost näkku.

Teatri jaoks on põhiline žestid. Žestides on ühendatud nii need, millel on teatud tähendus, kui ka need, mida kasutatakse ilu pärast ja millel pole mingit tähendust. Erilist kirgede intensiivsust selles teatris annab edasi täielik vaikus jaliikumise puudumine. Kogenematul vaatajal on sellistel hetkedel väga raske aru saada, mis laval toimub.

Kyogeni teater

Jaapani kyogen teater ilmus peaaegu samaaegselt teatriga but, kuid erineb sellest suuresti oma teema ja stiili poolest. Aga – draama, elamuste ja kirgede teater. Kyogen on farss, komöödia, mis on täis lihtsaid nalju, nilbeid ja tühja kära. Kyogen on kõigile kättesaadav, etenduse tähendust ja näitlejate tegevust pole vaja lahti mõtestada. Traditsiooniliselt on noh-teatri etenduste vahepalaks küogeni näidendid.

Kyogen teatri repertuaaris on näidendid 15.-16. Tegemist on umbes kahesaja kuuekümne teosega, mille autorid on enamasti teadmata. Kuni 16. sajandi lõpuni käisid näidendid õpetaj alt õpilasele suust suhu ja paberile ei kirjutatud. Alles 17. sajandi lõpupoole hakkas ilmuma kirjalik meedia.

Kyogenis on näidendite klassifikatsioon selge:

• jumalate kohta;
• feodaalidest;
• naistest;
• kurjadest vaimudest jne.

On lavastusi, mis toovad esile väiksemad pereprobleemid. Nad mängivad meeste püsimatuse ja naiste kavaluse peal. Enamik näidendeid on pühendatud teenijale nimega Taro.

Kyogeni tegelased on tavalised inimesed, kelle elus ei juhtu midagi erilist. Etenduse alguses tutvustatakse publikule kõiki tegelasi. Teatri näitlejad jagunevad rühmadesse: põhi - istu, sekundaarne - ado, kolmas - koado, tähtsuselt neljas - chure ja viies tähtsuselt.tähendus - tomo. Suurimad kyogeni näitekoolid on Izumi ja Okura. Vaatamata sellele, et noh ja kyogen on omavahel seotud, koolitatakse nende teatrite näitlejaid eraldi.

Jaapani kyogen-teatri žanril on kolme tüüpi kostüüme:

• Hr;
• teenijad;
• naised.

Kõik kostüümid on valmistatud 16. sajandi ja 17. sajandi alguse moe järgi. Mõnikord võidakse teatrietendustel kasutada maske. Kuid need pole maskid, vaid emotsioonide väljendamine, need on maskid, mis määravad tegelase rolli: vana naine, vanamees, naine, deemon, jumal, loomad ja putukad.

Pärast Teise maailmasõja lõppu uuendati kyogeni teatrit ja näidendeid hakati esitama iseseisv alt, mitte ainult noh-teatri etenduste osana.

Kabuki – templitantsijateater

Kabuki etendused olid algselt mõeldud kõigile. Kabuki teater ilmus Tokugawa ajastu alguses ning seda seostatakse templitantsija ja sepa tütre Izumo no Okuni nimega.

Tüdruk kolis 17. sajandil Kyotosse, kus ta hakkas jõe kaldal ja pealinna kesklinnas rituaalseid tantse esitama. Tasapisi hakkasid repertuaari jõudma romantilised ja erootilised tantsud ning etendusega liitusid muusikud. Aja jooksul suurenes tema esinemise populaarsus. Okunil õnnestus etendustes kiiresti ühendada tantsud, ballaadid, luuletused ühtseks tervikuks, luues Jaapani kabuki teatri. Teatri nimi on sõna otseses mõttes tõlgitud kui "laulu- ja tantsukunst". Praegu osalesid etendustes ainult tüdrukud.

Teatri populaarsus kasvas,sageli hakkasid kõrged pealinlased armuma trupi kaunitesse tantsijatesse. Valitsusele selline asjade seis ei meeldinud, eriti kuna näitlejannade armastuse pärast hakati kaklusi korraldama. See, aga ka liiga selgesõnalised tantsud ja stseenid viisid selleni, et peagi anti välja dekreet, millega keelati naistel etendustel osalemine. Nii lakkas naisteteater onna kabuki olemast. Ja laval oli jaapani meesteater - wakashu kabuki. See keeld kehtis kõikidele teatrietendustele.

19. sajandi keskel dekreet ametlikult tühistati. Traditsioon kõigi rollide esitamiseks meeste esitustes on aga säilinud tänapäevani. Seega on kanooniline jaapani teater Jaapani meesteater.

Kabuki täna

Tänapäeval on Jaapani kabuki teater traditsioonilistest draamakunstidest kõige populaarsem. Teatrinäitlejad on riigis hästi tuntud ja kutsutakse sageli tele- ja filmivõtetele. Naiste rolle hakkasid paljudes truppides taas täitma naised. Lisaks on ilmunud ainult naissoost teatrirühmad.

Kabuki teatrietenduste olemus

Kabuki teater kehastab Tokugawa ajastu väärtusi, need on süžee aluseks. See on näiteks õigluse seadus, mis kehastab budistlikku ideed kannatava inimese premeerimisest ja kurikaela vältimatust karistamisest. Samuti budistlik idee maise kaduvusest, kui kõrgelt sündinud perekonnad või võimsad juhid ebaõnnestuvad. Konflikt võib sageli põhineda kokkupõrkelKonfutsianistlikud põhimõtted, nagu kohustus, kohustus, austus vanemate vastu ja isiklikud püüdlused.

Jumestus ja kostüümid sobivad võimalikult hästi näitlejate rollidega. Kõige sagedamini vastavad kostüümid Tokugawa ajastu moele, on elegantsed ja võimalikult stiliseeritud. Maske etendustel ei kasutata, need asendatakse kõige keerulisema, rolli sisu peegeldava meigiga. Ka etendustel kasutatakse parukaid, mis liigitatakse tegelaste sotsiaalse staatuse, vanuse ja ameti järgi.

Bunraku teater

Bunraku on Jaapani nukuteater. Mõnikord nimetatakse seda ekslikult ka joruriks. Joruri on bunraku teatrietenduse nimi ja samas ka ühe nuku, õnnetu printsessi nimi. Teater sai alguse sellest kangelannast rääkivate ballaadidega. Algselt polnud see nukk ja rändmungad laulsid laule. Järk-järgult liitusid etendusega muusikud, publikule hakati näitama tegelasi kujutavaid pilte. Ja hiljem muutusid need pildid nukkudeks.

Teatris on kõige tähtsam gidayu – lugeja, kelle oskustest sõltub kogu etenduse õnnestumine. Lugeja ei esita ainult monolooge ja dialooge, tema ülesandeks on ka teha vajalikke helisid, hääli, piiksu.

17. sajandi keskpaigaks olid bunraku muusikalise esituse ja retsiteerimise peamised kaanonid välja kujunenud, kuid nukud ise muutusid veel pikka aega. Aja jooksul tekkis tehnika, kuidas kolme inimese poolt ühte nukku juhtida. Jaapani bunrakuteatril on iidne nukkude valmistamise traditsioon. Neil pole keha, see on asendatud puidust ristkülikukujulise raamiga, mis on pea juhtimiseks läbi põimunud niitidega,käed ja jalad. Pealegi võivad jalad olla ainult isastel nukkudel ja isegi siis mitte alati. Raamile on pandud palju riidekihte, mis annab volüümi ja sarnasust inimfiguuriga. Pea, käed ja vajadusel ka jalad on eemaldatavad ja pannakse vajadusel raamile. Käed ja jalad on äärmiselt liigutatavad ning valmistatud nii, et nukk saab liigutada isegi sõrme.

Nukujuhtimistehnika on jäänud samaks, kuigi täiustatud – ühe nuku, kelle pikkus on kaks kolmandikku inimese pikkusest, manipuleerimiseks on vaja kolme näitlejat. Näitlejad ei varja end avalikkuse eest, vaid on sealsamas laval, riietatud mustadesse maskidesse ja rüüdesse. Musta värvi on ka lavatagune, lavataust, eesriie ja muusikute platvorm. Sellel taustal paistavad ered alt silma maastikud ja värvilistes rõivastes ning valgeks maalitud käte ja nägudega nukud.

Bunraku teatri peateemaks on pilt tunnete ja kohustuste, "raskuste" ja "ninja" kokkupõrkest. Loo keskmes on inimene, kellel on tunded, püüdlused, soov elust rõõmu tunda. Küll aga takistavad teda avalik arvamus, kohusetunne, sotsiaalsed ja moraalinormid. Ta peab tegema seda, mida ta teha ei taha. Selle tulemusena viib konflikt kohustuse ja isikliku püüdluse vahel tragöödiani.

Teatrivarjud

Varjuteatri juured ulatuvad iidsetesse aegadesse. Aasiat peetakse selle päritolukohaks ja see saavutas oma suurima õitsengu Hiinas. Siit tuli Jaapani varjuteater.

Esialgu kasutati etendustes figuure,paberist või nahast välja lõigatud. Lava oli valge riidega kaetud puitkarkass, mille taga peitusid näitlejad, kes juhtisid figuure ja laulsid. Suunavalgus peegeldas ekraanil tegevusfiguure.

Varjuteatril erinevates valdkondades olid omad kujundid ja esitati oma laulude repertuaar.

Yose teater

Yose on traditsiooniline Jaapani koomiksiteater. See sai alguse 17. sajandil ja esimesed etendused peeti vabas õhus. Kuid teatri populaarsuse tõttu hakkasid selliste etenduste jaoks ilmuma spetsiaalsed majad - yoseba.

Teatrilavastused kuuluvad rakugo žanri – satiirilised või koomilised lood, alati ootamatu lõpuga, täis sõnamängu ja vaimukust. Need lood arenesid välja anekdootidest, mille on loonud rakugoka – professionaalsed jutuvestjad.

Kimonosse riietatud esineja istub keset lava padjale, tavaliselt käes rätik ja lehvik. Loo kangelasteks olid eri klassidest inimesed, lugude teemat ei piiranud miski. Ainus konstant oli see, et lood olid naljakad, seotud poliitiliste, kodumaiste, aktuaalsete ja ajalooliste olukordadega.

Enamik lugusid on loodud Edo ja Meiji perioodil, seega on kirjeldatud traditsioonid, elu ja probleemid tänapäeva vaatajale vähetuntud ja võõrad. Sellega seoses kirjutavad paljud rakugo näitlejad ise satiirilisi lugusid päevakajalistel teemadel.

Manzai on veel üks yose žanr. See on koomiline dialoog, mille juured ulatuvad traditsiooniliste uusaastaetendusteni, mida saatsid laulud, tantsud ja näitlemine.komöödiastseenid. Järk-järgult jõudsid manzaisse farsi, muusikalide ja muude žanrite elemendid, mis muutis selle veelgi populaarsemaks ja võimaldas sellel televisiooni jõuda.

Yose teatrit esindavad ka žanrid nanivabushi (omamoodi ballaad) ja kodan (ilukirjanduslik lugemine). Kodan on lugu, mis põhineb rändkunstnike esinemisel. Lugude algteema (minevikulahingud) laienes ja see hõlmas perekondlikke konflikte, legendaarsete kohtunike kohtuasju, poliitilisi sündmusi, tavakodanike elus ebatavalisi juhtumeid. Kuid mitte kõik teemad ei olnud võimude poolt julgustatud. Sageli olid esinemised isegi keelatud.

Kokkuvõte

Traditsiooniline Jaapani teater on mitmevärviline ja keeruline maailm, mille elementideks on näitlejad, muusikud, maskid, maastik, kostüümid, meik, nukud, tantsud. Kõik see moodustab Jaapani teatrikunsti ainulaadse ja jäljendamatu salapärase maailma.