Belcanto on virtuoosse laulu tehnika. Vokaalkoolitus. ooperilaul

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-17 05:33

Pikad read muusikalisi fraase, meloodilisi lõike ja graatsiat, hämmastav hääljuhtimine ja virtuoosse laulmise lihvitud ilu. 16.-17. sajandi vahetusel tekkis Itaalias laulukool, mis andis maailmale esitusliku vokaalitehnika, millele pretensioonikatele terminitele ahned itaallased panid nimeks bel canto (bel canto) – “ilus laulmine”. Ärgem liialdagem, märkides seda perioodi teatrivokaali õitseaja alguseks ja ooperižanri edasise arengu alguspunktiks.

Ooperi sünd: Firenze

Esimesed kirjeldatud perioodil ilmunud ooperid sündisid Firenzes moodustatud väikese iidse kunsti austajate ringi liikmetele, kes sisenesid muusikaajalukku nime all "Florence Camerata". Vana-Kreeka tragöödia fännid unistasid selle žanri kunagise hiilguse taaselustamisest ja olid arvamusel, et näitlejad ei rääkinud, vaid laulsid sõnu, kasutades teksti taasesitamiseks retsitatiivset, meloodilist sujuvat helide üleminekut.

Esimesed Vana-Kreeka Orpheuse müüdi süžeele kirjutatud teosed said tõuke uue muusikažanri sünnile- ooperid. Ja selle lahutamatuks osaks olnud soolovokaalpartiid (aariad) sundisid lauljaid tõsiselt hääletreeninguga tegelema, mis oli kauni laulmise kunsti - bel canto - tekkimise põhjus. See tähendas võimet esitada pika hingetõmbega meloodilisi katkeid, säilitades samal ajal sujuva heliproduktsiooni kogu muusikalise fraasi vältel.

Napoli kool

17. sajandi lõpus kujunes välja Napoli ooperitraditsioon, mis tõi lõpuks paika bel canto kunsti teatrilaval. See oli nii Firenze idee edasiarendus kui ka muutus selles. Napolis sai esituse peamiseks komponendiks muusika ja laul, mitte aga luule, millele seni oli antud domineeriv roll. See uuendus rõõmustas publikut ja tekitas suurt entusiasmi.

Napoli heliloojad muutsid ooperit struktuurselt. Nad ei loobunud retsitatiivide kasutamisest, mis jagunesid erinevateks tüüpideks: saateks (orkestri saatel) ja kuivaks, mis sisaldab muusikalise tonaalsuse säilitamiseks kõnekeeles esitatud teavet haruldaste klavessiiniakordideni. Esinejatele kohustuslikuks muutunud hääleõpe suurendas soolonumbrite populaarsust, mille vorm samuti läbis muutusi. Ilmusid tüüpilised aariad, milles tegelased väljendasid tundeid üldistatult, olukorraga seoses, mitte kujundist või karakterist lähtuv alt. Leinavad, puhtsüdamlikud, igapäevased, kirglikud, kättemaksu aariad – Napoli ooperi siseruum oli täidetud elava sisuga.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Silmapaistev helilooja ja entusiast Scarlatti läks ajalukku Napoli ooperikooli rajajana. Ta lõi üle 60 teose. Scarlatti loodud tõsise ooperi žanr (opera seria) jutustas kuulsate kangelaste elust mütoloogilise või ajaloolise süžee abil. Ooperilaul lükkas etenduse dramaatilise joone tagaplaanile ja retsitatiivid andsid teed aariatele.

Tõsise ooperi lai vokaalpartiide valik laiendas nõudeid, millele ooperihääled pidid vastama. Esinejad arenesid laulukunstis, kuigi mõnikord tekitas see kurioosumeid - igaüks neist soovis, et helilooja kaasaks ooperisse aariaid, mis rõhutaksid soods alt hääle väärikust. Tulemuseks oli sõltumatute soolonumbrite kogu, mille tulemusel hakati ooperiseeriat nimetama "kostüümikontserdiks".

Ilu ja käsitöö

Teine Napoli ooperikoolkonna panus bel canto arengusse oli muusikapaleti ornamentaalsete (koloratuursete) dekoratsioonide kasutamine vokaalpartiides. Coloratura kasutati aariate lõpus ja see aitas esinejatel demonstreerida publikule hääljuhtimise taset. Suured hüpped, trillid, vahemiku lõigud, järjestuse kasutamine (muusikafraasi või meloodiapöörde kordamine erinevates registrites või klahvides) – seega suurendas bel canto virtuooside poolt kasutatav väljenduspalett. See tõi kaasa asjaolu, et sageli hinnati laulja oskuste tasetvastav alt tema esitatava koloratuuri keerukusele.

Itaalia muusikakultuur esitas kõrgeid nõudmisi. Kuulsate lauljate hääled paistsid silma ilu ja tämbririkkuse poolest. Voka altreening aitas parandada esitustehnikat, saavutada heli ühtlust ja sujuvust kõikides vahemikes.

Esimesed talveaiad

Nõudlus bel canto järele viis esimeste lauljaid koolitavate õppeasutuste loomiseni. Lastekodudest – talveaedadest – said esimesed muusikakoolid keskaegses Itaalias. Bel canto tehnikat õpetati neis matkimise, õpetaja järel kordamise alusel. See seletab tolleaegsete lauljate kõrget ettevalmistust. Nad õppisid ju selliste tunnustatud meistrite juures nagu Claudio Monteverdi (1567-1643) või Francesco Cavalli (1602-1676).

Õpilastele koostati spetsiaalsed harjutused hääle arendamiseks, solfedžoks, mida tuli korrata, parandades laulutehnikat ja arendades hingamist – bel canto jaoks nii vajalikke oskusi. See viis selleni, et olles alustanud treenimist 7-8-aastaselt, kerkisid 17-aastaselt konservatooriumi seinte vahelt välja professionaalsed ooperilava esinejad.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Itaalia bel canto määras oma välimusega ooperimuusikakultuuri arengusuuna järgmiseks kolmeks sajandiks. Selle arengu verstapostiks oli itaalia helilooja G. Rossini looming. Vokaalpartiide rütmiline energia, sära ja liikuvus nõudsid esinejatelt rikkalikku tämbrilist mitmekesisust, virtuoossust jaerakordne laulukool. Isegi lauluaariad ja retsitatiivid Rossini kompositsioonides nõudsid täielikku pühendumist.

Rossini melodism sillutas teed klassikalisele bel cantole, mida eristab fraaside terviklikkus, õrn ja õhuliselt puhas, vab alt voolav sujuv meloodia (cantilena) ja sensuaalselt ülev õhin. Tähelepanuväärne on see, et helilooja ise teadis laulukunstist omal nahal. Lapsena laulis ta kirikukooris ja täiskasvanueas pühendus ta lisaks komponeerimisele entusiastlikult vokaalpedagoogikale ning kirjutas sel teemal isegi mitu raamatut.

Pedagoogika

Itaalia ooperilaul, millest sai 17.–19. sajandi Euroopa muusikakultuuri sümbol, ilmus tänu andekate uuenduslike õpetajate tööle, kes õppisid vokaali ja katsetasid inimhäält, viies selle kõla täiuslikkuseni. Nende kirjutistes kirjeldatud võtteid kasutatakse lauljate ettevalmistamisel siiani.

Õpetajate tähelepanu ei jäänud ükski detail. Õpilased mõistsid vaba ja kerge laulva hingamise saladusi. Voka altreening eeldas mõõdukat helitugevust, lühikesi meloodilisi fraase ja kitsaid intervalle, mis võimaldas kasutada kõnehingamist, mida iseloomustab kiire ja sügav hingamine, millele järgnes aeglane väljahingamine. Töötati välja harjutuste kompleksid homogeense heliloomingu treenimiseks kõrgetes ja madalates registrites. Isegi peegli ees treenimine oli osa algajate esinejate koolituskursusest - liigne miimika ja pingeline näoilme reetsid krampliku tööhääleseade. Soovitati hoida lõdv alt, seista sirgelt ja naeratuse abil, et saavutada selge ja lähedane heli.

Uued laulutehnikad

Keerulised vokaalpartiid, dramaturgia ja teatrietendused seadsid lauljatele raskeid ülesandeid. Muusikas peegeldus tegelaste sisemaailm ja hääl sai lavalise üldpildi lahutamatuks osaks. See väljendus selgelt G. Rossini ja G. Verdi ooperites, kelle looming tähistas bel canto stiili tõusu. Klassikaline koolkond pidas vastuvõetavaks falsetti kasutamist kõrgetel nootidel. Dramaturgia aga lükkas selle lähenemise tagasi – kangelaslikus stseenis sattus meesfalsett esteetilise dissonantsi tegevuse emotsionaalse värvinguga. Esimesena ületas selle hääleläve prantslane Louis Dupre, kes hakkas kasutama heli tekitamise viisi, mis kehtestab füsioloogilised (kõri ahenemine) ja foneetilised (keel "Y-kujulises asendis") mehhanismid vokaali kaitsmiseks. aparaat ja hiljem nimetatakse seda "kaetud". See võimaldas moodustada helivahemiku ülemise osa ilma falsetile lülitumata.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Ooperi vokaalkunsti üle vaadates on mõeldamatu ignoreerida suure itaalia helilooja G. Verdi kuju ja loomingulist pärandit. Ta muutis ja reformis ooperit, tõi sisse süžee kontraste ja vastandusi. Ta oli esimene helilooja, kes võttis aktiivselt osa süžee, lavakujunduse ja lavastuse väljatöötamisest. Tema ooperites domineerisid tees ja antitees, tunded ja kontrastid möllasid, ühinesidigapäevane ja kangelaslik. See lähenemine dikteeris vokalistidele uued nõuded.

Helilooja oli koloratuuri suhtes kriitiline ja ütles, et trillid, graatsilised noodid ja gruppettod ei saa olla meloodia aluseks. Ornamentaalsed dekoratsioonid kompositsioonides peaaegu puuduvad, jäädes vaid sopranipartiidesse ja hiljem ooperi partituuridest täielikult kaduma. Haripunktides olevad isasosad viidi ülemisse registrisse, kasutades juba varem kirjeldatud "kaetud heli". Baritonipartiide esitajad olid sunnitud vokaalaparaadi töö uuesti üles ehitama kõrgest tessituurist (helide paigutus kõrgel kõrgusel lauluulatuse suhtes), mille dikteeris tegelaste emotsionaalse seisundi peegeldus. See tõi kaasa uue termini - "Verdi bariton" - tekkimise. G. Verdi looming, La Scalas lavastatud 26 kaunist ooperit, tähistasid bel canto teist sündi – täiuseni viidud hääle valdamise kunsti.

Maailmatuur

Kerget ja graatsilist vokaalistiili ei saa hoida ühe oleku piirides. Suurem osa Euroopast langes järk-järgult tema lummusesse. Kaunis laulmine vallutas maailma teatrilava ja mõjutas Euroopa muusikakultuuri arengut. Moodustati ooperisuund, mis sai nime "belkanta". Stiil nihutas oma rakenduse piire ja astus instrumentaalmuusikasse.

F. Chopini (1810-1849) virtuoosne meloodia sünteesis poola rahvapoeetika ja itaalia ooperi bel canto. J. Masneti (1842-1912) ooperite unistavad ja õrnad kangelannad on täidetud belkantse võluga. Stiili mõju osutus nii suureks, et selle mõju muusikale muutus tõeliselt suurejooneliseks, ulatudes klassitsismist romantismini.

Kultuuride ühendamine

Suurest heliloojast M. I. Glinkast (1804-1857) sai vene klassika rajaja. Tema orkestrilooming – ülev alt lüüriline ja samas monumentaalne – on täidetud meloodiaga, milles on nähtavad nii rahvalaulutraditsioonid kui ka itaalia aariate belkantne rafineeritus. Neile omane kantileen osutus sarnaseks venivate vene laulude meloodilisusega - tõetruu ja ilmekas. Meloodia ülekaal teksti üle, silbisisesed laulud (üksikute silpide laulev rõhutamine), kõnekordused, mis loovad meloodia pikkuse - kõik see M. I. Glinka (ja teiste vene heliloojate) loomingus oli hämmastav alt harmooniliselt ühendatud Itaalia ooperi traditsioone. Pidevad rahvalaulud väärisid kriitikute hinnangul "Vene bel canto" tiitlit.

Staaride repertuaaris

Itaalia bel canto hiilgav ajastu lõppes 1920. aastatel. Esimese veerandsajandi sõjalised ja revolutsioonilised murrangud kriipsutasid välja romantilise ooperimõtlemise normatiivse olemuse, selle asemele tulid neoklassitsism ja impressionism, modernism, futurism jt suundadeks jaotatud. Ja ometi ei lakanud kuulsad ooperihääled pöördumast Itaalia klassikalise vokaali meistriteoste poole. "Ilusa laulmise" kunsti valdas hiilgav alt A. V. Neždanov ja F. I. Chaliapin. Selle laulusuuna ületamatu meister oli L. V. Sobinov, keda kutsuti bel canto saadikuks Venemaal. Suurepärased Maria Callas (USA) ja Joan Sutherland (Austraalia), keda austasid kolleegid "Sajandi hääle" tiitliga, lüüriline tenor Luciano Pavarotti (Itaalia) ja ületamatu bass Nikolai Gyaurov (Bulgaaria) – nende kunsti aluseks oli Itaalia bel canto kunstiline ja esteetiline alus.

Järeldus

Uued suundumused muusikakultuuris ei ole suutnud ületada klassikalise itaalia bel cante ooperi sära. Noored interpreedid otsivad vähehaaval välja eelmiste aastate meistrite ülestähendustes säilinud info õige hingamise, heliloomingu, hääleskulptuuri ja muude peensuste kohta. See ei ole tühi huvi. Kogenud publik on äratanud vajaduse mitte kuulda klassikaliste teoste kaasaegset tõlgendust, vaid sukelduda laitmatu laulukunsti usaldusväärsesse ajutisse ruumi. Võib-olla on see katse lahti harutada bel canto fenomeni müsteeriumi – kuidas sai naishäälte keelu ja kõrge meesregistri eelistuste ajastul sündida sajandeid üle elanud laulusuund, mis muutus harmooniliseks süsteemiks, pani aluse professionaalsete vokalistide koolitamisele mitmeks sajandiks.